Tema 2: Siglo XX Contemporary classical music

En la música clásica del siglo XX se produce el divorcio de los compositores con el público habitual de la música clásica. Una estética innacesible para esa post-burguesía que en el siglo XX se llamará clase media y que se ha desplazado al consumo y al gusto de la música popular urbana, de Elvis en los años 50 pasando por los Beatles en los 60, Queen en los 70 y llegando a Michael Jackson en los 80.

Llamamos música contemporánea a la música clásica del siglo XX y XXI, es decir la música que haría Vivaldi, Mozart o Beethoven si nacieran ahora.

La música contemporánea sigue siendo de tradición escrita, es decir, utiliza la notación y la partitura para su codificación, su estudio/aprendizaje y ejecución. Utiliza los espacios que la música clásica había venido utilizando con anterioridad tales como auditorios, teatros de ópera, salas de conciertos y manteniendo como vehículo sonoro para su expresión tímbrica la orquesta. La música contemporánea tiene sus orígenes en los finales del siglo XIX con cuatro tendencias bastantes variadas: nacionalismo (Rusia, Noruega, España, Finlandia) postromanticismo (Alemania) que son continuadoras del antiguo lenguaje musical heredado desde la Edad Media ( X siglos) y el impresionismo (Francia) y el expresionismo (Alemania) que comienzan a rompen con el antiguo lenguaje musical (ritmo, melodía, armonía y forma)

Un ejemplo de obra de vanguardia o contemporánea sería el ballet «La Consagración de la Primavera» estrenada en el Teatro de los Campos Elíseos en 1913 y música de Igor Stravinsky por encargo de Serguéi Diáguilev y su compañía de ballets rusos. La coreografía original fue creada por Vaslav Nijinsky, con escenografía y vestuario de Nicholas Roerich. Pincha AQUÍ para saber más de su argumento.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA

La música es un reflejo de la sociedad del siglo XX (guerras mundiales) su «angustia vital» (existencialismo/expresionismo) o la fascinación por el progreso (futurismo/tecnofilia) se notaran en el carácter de la música.
Se busca la experimentación y exploración técnica y estética de la música, para ello se experimenta con los instruentos y los elementos de la música (ritmo, melodía y armonía). En esta época nacen muchos estilos y tendencias.
El ritmo pasa de ser métrico a prosódico y finalmelnte a LIBRE ausencia de pulsación
Abolición de concepto MELODÍA como estructura y entidad estética (figuración abstracción)
Utilización de la DISONANCIA para generar tensión y generar inestabilidad
Utilización de los doce sonidos, en lugar de siete como en el sistema tonal, sin importar la antigua jerarquía de la escala (cromatismo) generando la ATONALIDAD
Motivos FRAGMENTADOS TÍMBRICAMENTE. Melodía hecha con varios instrumentos.
Abandono el concepto ARMONÍA (acordes) Jean-Philippe Rameau (1722)
Eliminación de las FORMAS (estructuras como sinfonías, concerto o sonatas etc….) existentes en pos de NUEVOS PROCESOS COMPOSITIVOS y maneras de organizar el sonido
Busqueda de nuevas sonoridades gracias a la electrónica y el electromagnetismo : música concreta y electroacústica.
Es la época de la diversidad (postmodernidad) tanto en la música popular como en la música culta no hay una corriente principal, ni estilo personal definido, un mismo artista puede pasar por muchas influencias…
Es la época de las Vanguardias. Artistas (VISIONARIO) que con sus obras buscan abrir nuevos caminos (INNOVAR) aunque para ello sean incomprendidos para el gran público de su tiempo (coetáneos) por ello surgen la música popular. “El artista innovador crea para el hombre del futuro no para sus contemporáneos”

Etapas, tendencias y autores de la música contemporánea

IMPRESIONISMO

Nace a finales del XIX y llega hasta principios del XX.
Nace contra de la hegemonía decimonónica Wagneriana en la música culta.
Influenciada por la pintura francesa. Busca evocar de forma sinestésica (oído, olfato y vista, suma de sentidos) Al igual que en la pintura se inspiraba en la naturaleza.
No tiene forma definida (melodía) Carece de noción temporal (pulso) Es multicolor riqueza tímbrica (politímbrica) y no tiene forma macroformalmente hablando.
Sus mayores representantes son: Claude Debussy (1862 – 1918) Primer Arabesco (188-1891) “Preludio para la siesta de un fauno” 1894 y Maurice Ravel (1875 – 1937)

POST-ROMANTICISMO

Transcurre entre finales del XIX y principios del XX.
Continúa la tradición romántica alemana (Wagnerianos) en la música culta. Grandiosidad exagerada frases casi hiperbólicas (exagerada)
Suele ser premonitorias negativamente del malestar de comienzos del siglo XX.
Sus mayores representantes son: Richard Strauss (1864 – 1949) “Así habló Zaratustra” poema sinfónico 1896 Inspirada en la obra homónima del filósofo Friedrich Nietzsche y Gustav Mahler (1860-1911) Sinfonía nº 5 “Adagio” 1902

INDEPENDIENTES

Bela Bartok (Rumanía 1881 – NY 1945)

Este compositor húngaro tiene un lenguaje muy personal al cual no podemos meter en ninguna corriente espécifica debido a su persoalidad musical y peculiar estética, aunque sí se basa bastante en el ritmo con instrumentaciones oscuras.

Igor Stravinski (1882-1971) El ritmo en la obra de Stravinski desempeña un papel esencial al igual que la instrumentación que tienen un carácter salvaje e innovador. Sus obras más destacadas son sus tres ballets:

El pájaro de fuego 1910

Petrushka 1911

La consagración de la primavera 1913

ATONALISMO (Expresionismo)

Surge en Alemania ROMPE CON EL SISTEMA TONAL CREADO EN EL BARROCO
Se centra en el individuo e Intenta plasmar la expresión interior del hombre, fobias y filias, pensamientos (subconsciente Freudiano)
Mezcla del existencialismo de JEAN PAUL SARTRE, el pesimismo de una época de guerras mundiales y el las teorías de Freud.
El creador de la música ATONAL es su autor más representativo es: Arnold Schönberg (1874 – 1951)

DODECAFONISMO

Arnold Schönberg Inventa el Dodecafonismo (1921)
A cada nota del al escala cromática se le asigna un número entre 0 a 11, o bien entre 1 y 12. Así queda fijada la serie.
Una vez creada la serie se hacen tres variantes.
La primera una retrogradación.
La segunda una inversión interválica .
la tercera una retrogradación de la inversión.

Arnold Schönberg (Viena, 1874 – Los Ángeles 1951) líder de la denominada 2ª Escuela de Viena junto con sus dos discípulos: Alban Berg (1885 –1935) Anton von Webern (Viena 1883- Salzburgo 1945) Sus innovaciones en la organización sistemática de altura, ritmo y dinámica inventarón el serialismo integral.

MÚSICA CONCRETA

En 1950 con la búsqueda de explorar nuevos timbres y gracias a la electrónica, a las nuevas técnicas de grabación y de la manipulación del sonido nace este estilo.

Esta música utiliza objetos de la vida cotidiana como instrumentos, descontextualizándolos de su entorno, son grabados y posteriormente manipulados.

Pierre Schaeffer (1910 –1995) creador de la música concreta. Autor del libro titulado Tratado de los objetos musicales. Edgar Varèse (París 1883 – Nueva York 1965)

ELECTROACÚSTICA

Mezcla instrumentos tradicionales acústicos con elementos electrónicos (cinta magnetofónica o una guitarra eléctrica) Karlheinz Stockhausen (1928- 2007)

SERIALISMO INTEGRAL

Aplica la técnica dodecafónica a todos los parámetros de la música (ritmo, intensidad y timbre) Olivier Messiaen (1908 -1992) Pierre Boulez (1925-2016)

ALEATORIEDAD (del latín alea que significa suerte)

Deja al intérprete libertad combinatoria, al modificar el orden de los pasajes o secciones de tiempo en la que tiene que improvisar haciendo de la obra un pieza diferente e irrepetible en cada concierto. John Cage (1912 – 1992) Pionero de la música aleatoria.

MÚSICA ESTOCÁSTICA

Utiliza los ordenadores y programas de probabilidad para crear obras con cálculos matemáticos. Iannis Xenakis (1922 2001)

LENGUAJES PERSONALES

György Ligeti (1923 2006) y Krzysztof Penderecki 1933

MINIMALISMO

Tendencia que busca la sencillez de medios y estructuras. Surge como reacción al serialismo integral. El minimalismo se caracteriza por la repetición de elementos melódicos y rítmicos. Philip Glass (1937)

ESPECTRALISMO

PAISAJES SONOROS