Tema 3: Entre el cielo y la tierra Renacimiento
PLAYLIST DE MÚSICA DEL RENACIMIENTO
TEMA 3 RENACIMIENTO PARTE III IV MÚSICA VOCAL PROFANA + ÓPERA
«Hoy comamos y bebamos» villancico de Juan del Encina (1468-1529) del Cancionero de Palacio
CONTEXTO CULTURAL DEL RENACIMIENTO
Cronología y topografía
El Renacimiento musical transcurre entre los siglos XV y XVI en toda Europa aunque nace y se manifiesta de forma notable en Italia (Florencia y Roma)
Concepto de Renacimiento
A este período artístico y musical se le llama Renacimiento, porque hay una vuelta a la antigüedad grecolatina (Grecia y Roma) y lo que hacen en este período es imitar el arte de la antigüedad, es decir, un renacer de la cultura clásica y vuelta a la antigüedad estéticamente.
En este imitar la estética de la antigüedad hay que atribuirle el problema de que no contamos con ejemplos musicales a diferencia de las artes plásticas (arquitectura, esculturay pintura o teatro y literatura) en las podemos basarnos.
Ubicación histórica
Históricamente el Renacimiento es el nacimiento de la Edad Moderna. Se considera que la Edad Moderna comienza en el siglo XV con la Caída de Imperio Romano de Oriente (1453) o el descubrimiento de América 1492 y acaba con la Revolución Francesa 1789 que abre la Edad Contemporánea.
Corriente de pensamiento religioso y profano. Espiritual y mundano.
- Paso de una visión del mundo teocéntrica a una antropocéntrica. El hombre es el centro de todas las cosas.
- Aparece la corriente de pensamiento humanista.
- Nacimiento del pensamiento político moderno con Maquiavelo “el fin justifica los medios” de su libro el Principe.
- Tiene lugar la Reforma protestante de Luteranismo 1517 (Coral protestante) y el Anglicanismo (Anthems) y una subdivisión de la iglesia católica. Como resultado aparece la Contrarreforma católica y Concilio de Trento 1545. Esta división religiosa hará que aparezcan tres tipos de música de diferentes estéticas y diferente lenguaje que veremos en este tema.
Modelo Social
Paso del Feudalismo (determinismo estamental) a la emergente burguesía capitalista que toma el roll de productor y fomentador de la cultura a través del mecenazgo como la familia “Medici” en Florencia por ejemplo. Llamamos mecenas a las personas adineradas que encargan, financian y protegen a los artista para que estos puedan crear.
Nacimiento de los bancos (préstamo de capital con intereses) la burguesía, el capitalismo comercial y (Ópera) futuros mecenas. La música será el ocio de la nueva burguesía, la gente adinerada de la época.
Desarrollo cultural
- Difusión y desarrollo del conocimiento gracias al nacimiento de la imprenta por Johannes Gutenberg en 1440 (la Biblia es el primer libro que se imprime)
- Avances científicos con Galileo, Copérnico y Kepler.
- Esplendor artístico en arte y literatura. Quattrocento en Florencia y Cincuecento en Roma.
- Gracias al mecenazgo “Medici” en Florencia o la Roma papal del Cincuecento se crean muchas obras.
Tanto el mecenazgo, como motor de encargo de obras, como la invención de la imprenta son hechos de gran relevancia, son importantísimos y fundamentales para el desarrollo de la cultura en esta época y para la música, claro está.
ACONTECIMIENTOS MUSICALES IMPORTANTES
Primer editor de música de la historia
Ottaviano Petrucci (1466 – 1539) primer editor musical en 1501 publicó una colección de canciones polifónicas llamadas “Harmonice Musices Odhecaton” primera edición de música impresa de la historia.
Es una colección de 96 canciones polifónicas seculares a tres o cuatro partes de compositores en su mayoría franco-flamencos, entre ellos Johannes Ockeghem, Josquin des Prez, Antoine Brumel, Antoine Busnois, Alexander Agricola y Jacob Obrecht.
Homenaje en internet a Ottaviano Petrucci, enlace IMSLP (biblioteca digital de partituras gratuita)
Aparece la notación blanca
El paso del pergamino al papel hace que las cabezas de las notas se dejen huecas para no emborronar el papel.
Aparece la tablatura
La tablatura es un sistema de escritura o notación para instrumentos de cuerda como el laúd o la vihuela. Este sistema de notación nos indica el traste y la cuerda que tenemos que pulsar (pisar) y tocar. En la actualidad se sigue utilizando.
La música vocal
Música vocal religiosa: Protestante, Anglicana y Católica
En la música religiosa se producen tres tendencias diferenciadoras en estilo, composición y ejecución. Por una lado tenemos la música protestante que surge con Martin Lutero y su división de Iglesia Católica en 1517 clavando en la iglesia de Wittenberg sus 95 tesis atacando a la iglesia de Roma.
El Coral protestante o luterano de la Reforma
El Coral es la forma más representativa de la música protestante. Sus principales características son las siguientes:
- La letra está en alemán.
- Textura polifónica: homofonía (varias voces con mismo ritmo o figuración, concepto vertical de la armonía y textura)
- De carácter religioso.
- Puede ser a capella o con acompañamiento instrumental.
- Johann Sebastian Bach es el compositor más representativo de esta forma aunque es de un período posterior.
Bach: Matthew passion – 54. O Haupt voll Blut und Wunden
El Anthem anglicano de Enrique VIII
La ruptura de Enrique VIII con la Iglesia de Roma en la primera mitad del s.XVI y la posterior creación de la Iglesia anglicana provocaron un empobrecimiento de la música religiosa en Inglaterra. La nueva Iglesia eligió como canto para sus servicios litúrgicos el anthem, especie de himno o antifonía en lengua inglesa, a cuatro voces y de estilo muy parecido al motete.
Entre sus compositores destaca William Byrd (1543-1623) conocido como “El Palestrina inglés”, cuyas obras tienen como principal caractarística su riqueza armónica. Aunque quizás el Anthem más conocido sea el Zadok the Priest del compositor alemán Georg Friedich Händel que ha acabado siendo el himno de la Champions desde 1992 adaptado por Tony Britten,
El himno anglicano es una composición para coro, con acompañamiento de voces solistas (y más tarde de instrumentos) o sin él, que solía interpretarse en el transcurso del oficio rerligioso de la Iglesia anglicana, sin que formase necesariamente parte sustancial de la liturgia.
La Misa y el Motete de la Contrarreforma Católica
Con la Contrareforma Catolica la iglesia catolica se opone a la reforma protestante y para ello convoca el concilio de Trento (1545-1563).
Las directrices de este concilio con respecto a la musica son:
1ª El canto gregoriano sigue siendo el canto oficial de la iglesia.
2ª La musica esta al servicio del texto, la musica no debe satisfacer el oido sino el alma a Dios.
3ª Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado porque no era posible entender los textos religiosos y recordemos que la principal finalidad de la música religiosa era la de transmitir el mensaje cristiano.
4ª Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son territorios sagrados en los que sólo se debe interpretar música religiosa. Esta norma, en teoría, hoy en día continúa vigente.
La Misa y el Motete son las formas más representativas de la música de la Reforma Católica.
La Misa mantiene las características de la Edad Media, es decir:
- Mantiene la misma estructura (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei)
- Se canta en latín
- Su función es acompañar la liturgia
- Busca un estilo sencillo y espiritual
- Es vocal con acompañamiento instrumental
- El compositor más representativo de este estilo es Giovanni Pierluigi da Palestrina
Kyrie “Misa Papa Marcello 1562” de Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
El Motete católico
- La palabra motete viene del francés mot: palabra
- Forma nueva renacentista.
- Es una composición polifónica (varías voces) de textura contrapuntística.
- De carácter religioso y católico de texto bíblico en latín.
- Vocal, sin acompañamiento instrumental (a capella)
La Música profana
Estilos nacionales: madrigales, villancicos, chanson y ópera.
Dejando de mirar al cielo y comenzando a mirar al suelo, y por ende al mundo, aparecen los géneros musicales vocales profanos. Al igual que en la subdivisión de la música de la iglesia, aquí nos encontramos con estilos muy diferenciados en todos los aspectos; estilo, nación, idioma, lenguaje, temática, elaboración y ejecución. Podríamos decir que hay estamentos sociales: uno cortesano (más lírico y refinado) con el madrigal y uno campesino (más humano y explícito) con el villancico, la música de Italia, España y Francia serán las que estudiaremos.
Italia: El Madrigal dominio Monteverdiano
- Composición de tres a seis voces.
- A capella o con instrumentos.
- Generalmente en italiano.
- Basado en un texto profano de carácter poético. (amor o desamor)
- Pieza utilizada en ambientes cultos y cortesanos, de lenguaje cuidado al contrario que el villancico.
- La música pretende imitar musicalmente el sentido del texto con los elememtos de la música (ritmo, melodía, armonía, textura y forma).
- Claudio Monteverdi (1567-1643) es el compositor más importante de este género.
El Lamento de la ninfa (Lamento Della Ninfa) es uno de los más célebres madrigales del compositor italiano Claudio Monteverdi. Enlace con la traducción.
Forma parte del octavo libro de madrigales, denominado «Madrigales guerreros y amorosos», recopilación de 1638 que fue dedicada al emperador Fernando III de Habsburgo.
Está compuesto para soprano, dos tenores, un bajo y bajo continuo, y el texto está basado en una canzonetta de Ottavio Rinuccini.
Su tema es el lamento de la Ninfa por el engaño de su amado que la juró amarla siempre.
España: el villancico de Juan del Enzina
- El villancico es una forma autóctona de España.
- Letra en castellano.
- Cuando nace no tiene carácter navideño, son canciones de la gente que vive en las villas (villanos)
- Pieza utilizada en ambientes campesinos, por eso posee lenguaje coloquial.
- Textura polifónica u homofónica (más sencilla que el madrigal o la misa)
- Tiene una forma: estribillo, copla y vuelta.
- Juan del Enzina (1468-1529) es el compositor español más conocido respecto a estas piezas.
Ejemplo de Villancico renacentista “Cucú” de Juan del Enzina
La composición que juega con el significado de la palabra francesa Cocu (cornudo) para ironizar sobre la fidelidad.
Empieza con un estribillo cuyos primeros compases son contrapuntísticos para pasar pronto a convertirse en homofonía que se mantiene en las coplas (nombre con el llamaban entonces a las estrofas).
La Ensalada de Mateo Flecha
- La ensalada al igual que el villancico es un género autóctono español
- Mezcla en una misma composición diferentes ingredientes como: estilos musicales, idiomas, texturas y otros elementos.
- Aparecen estilos como el madrigal, la canción popular, el villancico, el romance, la danza, los géneros litúrgicos y otros.
- Los idiomas más frecuentes son el castellano,el portugués, el italiano y el latín.
- La textura utilizada suele ser la homofonía, el contrapunto, el número de voces, temas religiosos o profanos, elementos cómicos, épicos, serios o irónicos.
- También suelen incluir generalmente onomatopeyas.
- La ensalada fue concebida para diversión de los cortesanos y alcanzó gran fama en las fiestas palaciegas.
- El autor más importante es Mateo Flecha el Viejo (1481–1553)
Francia: la Chanson
- Forma vocal francesa a varias voces
- Con estribillo
- Textura homofónica
- Normalmente con acompañamiento instrumental
- Carácter descriptivo, empleo frecuente de onomatopeyas musicales ( cantos pájaros….)
- Los compositores más representativos son: Clement Janequín y Josquin des Prez
Como ejemplo de chanson escucharemos Il est bel et bon de Pierre Passereau que fue un compositor francés del Renacimiento (¿1509?- París, 1547)
El Nacimiento de la Ópera el Origen
Los orígenes de la ópera se sitúan en la ciudad italiana de Florencia a finales de siglo XVI y se relaciona directamente con un círculo elitista de humanistas florentinos conocidos como la Camerata de los Bardi (ya que se reunían en casa del conde del mismo nombre Bardi) o camerata florentina.
La camerata de los Bardi eran intelectuales y científicos de clase alta entre los cuales se encontraba el padre de Galileo Galilei, Vincezo Galilei, que era músico, compositor y teórico musical del renacimiento.
Estos intelectuales renacentistas querían resucitar la tragedia griega (música monódica frente a la polifonía de otros estilos) De ahí que la temática de las primeras épocas sean mitológicas ya que vuelven la vista a la antigua Grecia. Dafne 1597 y Euridice 1600 de Jacobo Peri y Orfeo 1607 de Claudio Monteverdi.
Alrededor de 1597 durante los carnavales de Florencia, en el Palacio Corsi, tuvo lugar el nacimiento de la ópera, la cual lleva por título Dafne. Con libreto en italiano de Ottavio Rinuccini y música de Jacobo Peri.
Ya en 1600 en el Palacio Pitti para festejar la boda de Enrique IV de Francia y Maria de Medici se estrena la tragedia lírica en tres actos Euridice.
El libreto de Euridice es una adaptación del libro de poemas Las Metamorfosis del poeta romano Ovidio por Ottavio Rinuccini. A esta boda fue invitado Vincenzo I Gonzaga duque de Mantua y Monferrato y pariente de la novia, llevando a Claudio Monteverdi que estaba a su servicio, quien presenció la ópera de Peri y compuso siete años después su Orfeo.
DEFINICIÓN DE OPERA
El término ópera proviene del latín opus que significa obra. La ópera es una forma musical vocal, profana, de carácter narrativo con representación escénica (se cuenta una historia y se representa con decorado y caractezación de los cantantes que actúan como actores)
Fusiona literatura tanto en prosa (libro adaptado en un libreto por el libretista «guión») como en lírica (poesía) y drama (teatro o actuación) con escenografía (escenógrafo) música (vocal e instrumental, solistas y orquesta) y danza (cuadros de baile coreógrafo) caracterización (peluquería y vestuario)
La primera ópera es la de Jacobo Peri (1597) “Dafne” pero la partitura no ha llegado a nuestros días. En 1607 “Orfeo” de Claudio Monteverdi estrenada en Mantua es la primera ópera que se conserva entera.
Monteverdi no lo llamó ópera en un principio sino fábula (la fábula de Órfeo) Es una ópera en cinco actos con texto en italiano de Alessandro Striggio el joven. Se estrenó para los carnavales de Mantua y tiene una duración aproximada de una hora y tres cuartos. La temática como su nombre indica es mitológica.
Representación de una ópera
La ópera es una obra de arte o espectáculo que requiere de una costosa infraestructura de recursos tanto materiales como humanos y que tiene un aforo de público reducido, en Madrid por ejemplo el aforo es de 1750 personas y en el espectáculo participan 770 personas.
En cuanto a recursos materiales necesita de un lugar con una acústica adecuada para una buena audición, más aún ya que cuando la ópera nace que no existían los micrófonos. Además debe de contar con un foso para los músicos que no obstaculicen la visión de selecto público. También necesita decorado, profesionalmente llamado atrezzo, vestuario, peluqueria y maquillaje para la caracterización e iluminación.
En cuanto a los recursos humanos o personal necesita profesionales de caracterización como peluqueros, costureros y modistas, maquilladores. El decorado requiere de gente de mantenimiento (pintores, electricistas, informáticos, realizadores hoy en día) y operarios que coloquen lo necesario (staff)
La parte teatral o de la representación corre a cargo del escenógrafo o director artístico, los bailarines y el coreógrafo, músicos y director de orquesta, coro mixto (sopranos, contraltos, tenores y bajos) y director de coro para los ensayos, solistas vocales, ternor, soprano, bajo y contralto etc…..la parte creativa del libretista, que adapta la novela a modo de libreto y el compositor también.
Demasiada gente para un lugar con poco aforo (Teatro Real de Madrid 1750 personas) comparado con un estadio de fútbol
Musicalmente la ópera consta de las siguientes partes
Las óperas se articulan como el teatro, es decir, sus partes se dividen en actos, generalmente de dos a cuatro, que a su vez estos se pueden dividir en escenas (cambios de persinajes) o cuadros (cambio de decorado). La duración media de las óperas de tres horas, pudiento durar de hora y media a cinco horas.
- Toccata: Parte instrumental que precede al drama vocal. Posteriormente se llamó Obertura.
- Arias: Sistema de canto en el que la melodía se decora enormemente, normalmente de tempo lento y carácter lírico. Se utiliza para expresar los sentimientos del personaje. Las arias son las partes más llamativas de la ópera EJEMPLO.
- Recitativo: Sistema vocal mezcla de canto y habla, una especie de parlato. Como declamar una poesía. Se utiliza en los pasajes rápidos en los que transcurre la acción. Tiene poco acompañamiento instrumental.
Desarrollo de las texturas polifónicas
Recordamos que la época que precede al Renacimiento es la Edad Media, es decir, la época de la monodía gregoriana y monodía en los estilos profanos de juglares, trovadores y goliardos.
La textura musical hace referencia al número de melodías (llamadas a veces voces) y como se relacionan entre ellas cuando suenan simultaneamente. Aquí se establece el análisis de la jerarquía entre las voces/melodías (principal y secundaria que acompaña).
Homofonía: Diferentes melodías que hacen el mismo ritmo o figuración. Suenan como un bloque armónico, pero generando densidad sonora cuanto más voces hay. Es un concepto de la música completamente vertical.
Contrapunto Imitativo: Diferentes melodías con diferente ritmo o figuración. Las voces entran sucesivamente en el tiempo IMITANDO el mismo motivo rítmico.
Parece como si escucharas un diálogo entre personajes sobre el mismo tema. Es un concepto de la música completamente horizontal.
Melodía Acompañada: Hay una voz principal y otra que supeditada a ella solo acompaña, es decir tiene un papel secundario de mero acompañamiento.
Música Instrumental
Casi toda la música instrumental del renacimiento se utilizaba para la danza o para acompañar un rito ya sea de la nobleza o religioso, es decir, no había un concepto de la pura escucha de la música instrumental (sin letra) como aparecerá en el barroco, de un público sentado haciendo escucha activa por parte del oyente y disfrutando solamente del discurso musical sin texto.
Aparecen grupos de instrumentos de la misma familia, lo que hoy podría ser la orquesta, llamados Consorts.
La Danza del Renacimiento
Las formas de danza más extendidas que se utilizaban en la corte en el renacimiento son:
- La Pavana: danza lenta y solemne en compás binario.
- La Gallarda: danza animada en ritmo ternario.
Instrumentos del Renacimiento
Sacabuche
El sacabuche es un instrumento de viento metal. Es el padre del trombón de varas moderno. Posee campana, vara y boquilla.
Corneta
La corneta al igual que el sacabuche es de viento metal, aún estando construído de madera, debido a la forma de producir el sonido, mediante la vibración de los labios en la boquilla (como en la actual trompeta)
Bajón
El Bajón, padre del fagot, al igual que éste se considera dentro del viento madera, dentro de los de viento madera es de lengüeta doble como la chirimía (padre de la dulzaina y el oboe
Clavicordio
El clavicordio es un instrumento de tecla dentro de los instrumentos de cuerda percutida ya que la cuerda e golpeada al pulsarse las teclas con los dedos.
Viola de Gamba
La viola de gamba es un instrumento de cuerda frotada (arco) y es el precursor del violonchelo. A diferencia de éste, que sólo tiene cuatro cuerdas, la viola de gamba tiene seis cuerdas. Además en su diapasón (mástil en el que coloca la mano izquierda) tiene trastes, como en la guitarra, para indicar en dónde se colocan los dedos. Otra de las diferencias con el violonchelo es la forma de coger el arco.
Vihuela
La vihuela es un instrumento de cuerda punteada o pulsada de entre seis o siete cuerdas dobles. Es la precursora de la guitarra barroca. Tiene un mastil con trastes en la cual se pone la mano izquierda (los diestros claro está)
Laúd
El laúd es otro instrumento de cuerda punteada o pulsada del renacimiento que ya viene desde la Edad Media.
Cronomorno
El cronomorno es un instrumento de viento madera de lengüeta doble. Llama bastante la atención su forma curvada y su peculiar timbre (sonido)
Órgano
El organo es un instrumento de viento de teclado bastante utilizado en el Renacimiento (XV-XVI)
La Tiorba es otro instrumento muy carácterístico del Renacimiento. llama la atención por su largo mastil.